A sua pesquisa

When discussing the paradox of displacing the street art aesthetic, i.e. commissioning street artists to create work for art galleries, museums, or public murals, one inevitably has to address issues of co-opting, appropriation, and the institutionalization of a movement that began as a countercultural form of expression. Two commissioned pieces by OSGEMEOS are used as a case study. This paper parses through the discourse surrounding their production and removal. The goal therein is to break down these narratives and gain insight into the mechanisms at work and the inherent contradictions in the process of institutionalizing street art.

It is the goal of this paper to aesthetically rethink Street Art’s artistic process and question its narrative in urban and public space. We intend to highlight the anonymity, ephemeral, and transitory element as a key feature of its artistic creation. To this end, we will use as a starting point the relationship between the street artist and Baudelaire’s flanêur, to reach Foucault’s point of view, which somehow finds the key to the street artist’s aesthetic features, synthesized in the understanding of Baudelaire’s modernity, understood not as a mere historical period, but rather as an “attitude.”

What is the role of art in the reinforcement or rejection of current models of public space management in our cities? To answer this question, we must attend to the ties of all artwork with public institutions, and whether or not it questions the dominant order. In this article, I will focus on the works of the Ana Botella Crew, a group of artists from Madrid, as an example of “artivism” that challenges the City Council’s management of public spaces in Madrid. My aim is to explore how useful internet tools can be to articulate artistic interventions that challenge the hegemonic uses of public space, in what Sassen has called the global city.

This article addresses the notion of the socially engaged visual arts. The first part explores some fundamental historical periods to help understand this practice, from the Greek concept of teknè until the present time. Then, the idea of a machine for the emancipation of creativity is explained, as well as its operation in two neighborhoods of the Portuguese city of Amadora. Finally, as a result of this immaterial machine, the focus turns to a detailed description of an archive of audiovisual elements that represents each activity undertaken within the project.

This article focuses on the possibilities of using the audio walk as a method for artistic research. First, the decisive characteristics of the format will be outlined, followed by a detailed description of an example case: my artistic research project that focuses on the subject of female migration. Several elements of the audio walk were used in a series of exercises with a group of recently migrated women, with the intention of investigating how the perception of the city is determined by their specific experience. This example case will be used as a means of pointing out several possibilities and opening up a space to think of the audio walk as a way of presenting a work but also as a way of generating knowledge as well.

Nowadays, walking around any city is a guarantee of seeing graffiti, while the public transportation are still a good canvas for writers. It is a well-established social phenomenon and has catch the attention of ethnographers, academic artists and other scholars that have entered the worlds of graffiti writers to explain their origins, trajectories, motivations, their identity construction, their conception of the self and their role and relation with society at large. However, still there is no synthetic effort of categorisation that provides understandable and communicable approaches to graffiti in the real world. From some sectors graffiti is still something to “deal with”. Generally speaking, authorities and dutyholders consider graffiti as threat a security and safety issue, turning it into something that needs to be addressed. For social workers, for instance, graffiti can be a means of communication with certain youth sectors or even a tool for social cohesion generation. Departing from this perspective, Graffolution was designed: an EC funded project for generating awareness and advance in the provision of best practices for tackling graffiti in Austria, Germany, Spain and the United Kingdom. The first rule encountered is no-one-size-fits-all and referring to graffiti and graffiti writers, this requires a complex understanding of the phenomenon, their trajectories as well as individual and collective dispositions. The aim of this paper is to provide a consistent typology of graffiti writers, offering a comprehensive picture of whose are the hands behind the graffiti cans. This serves a double level purpose: advancing at the theoretical level putting forward the sociocultural approaches to careers and social backgrounds provided by ethnographic approaches, as well as capturing the complexity of the phenomenon to serve as an operative conceptual basis for practitioners, professionals and decision makers. In doing so, the analysis is made on the transcripts obtained for 22 semi-structured interviews, carried out in the four participating countries. The transcripts have been analysed according to the “persona” methodology, which constitutes a systematic and novel approach and a qualitative technique for clustering information. As a result, three main categories have been defined according to important ambitions, challenges and stages of typical ‘journeys’ or ‘pathways’ of actors. These findings contribute to form a basis of a) highlight the misconceptions around graffiti as a petty crime, and b) offer a guide to understand graffiti writers under a socio-cultural perspective.

ARTE Creative auf Spurensuche in Dismaland! Mit Dismaland hat Banksy den trostlosesten Vergnügungspark der Welt geschaffen. Eine dokumentarische Rückschau. http://creative.arte.tv/de/dismaland-... Mehr Infos unter: http://creative.arte.tv/de fb.com/creative.arte twitter.com/ARTEcreative

Graffuturism ist mittlerweile ein bekannter Begriff in der weltweiten Graffiti und Street-Art-Szene. Die Gruppe um den US-amerikanischen Graffitikünstler POESIA wurde im Februar 2010 in San Francisco gegründet und definiert sich über abstrakte Malereien mit der Spraydose, Mural Art oder Installationen wie beispielsweise die von Clemens Behr. "We use the word group as we don’t wish to define Graffuturism as a movement as we are a part of it. I think if it is defined as a movement it should come from outside sources. We leave it to others to label the semantics of what we are doing“ (POESIA) Der Name Graffuturism steht für die Weiterentwicklung von Aerosol und Graffiti Art, weg von Stylewriting und klassischen Graffiti der 70er und 80er Jahre der USA. Diese Gruppe von Graffitikünstlern geht einen eigenen Weg und hat noch viel vor. Bisher wurde das GRAFFUTURISM Projekt nur selten kompakt und in allen Facetten vorgestellt. Bisher im Rahmen von einigen wenigen Gruppenausstellungen. Im April 2013 hat die OPEN SPACE Galerie Paris 21 Künstler aus der Gruppe eingeladen um neue Arbeiten vorzustellen. "Its a surreal feeling sometimes when so many great artists you follow from afar are all together in one room appreciating each others work in real time. This is the real power of the group and what has been built. Graffuturism is an international phenomenon, one that has no home base or country. Because of this, these exhibitions are important. They allow us to meet each other shake hands, have a beer, and paint together. Each time we meet someone new, artists get to collaborate at times on walls. Things organically take shape. Paris was no exception, a trip filled with more unforgettable memories and another step on the road to our future." Wir haben die Gruppe in Paris besucht, mit Gilbert, Pener und dem Gründer Poesia kurz sprechen können. Samantha von der OPEN SPACE Galerie Paris stellt GRAFFUTURISM in unserer neuen 5 MINUTES Episode einleitend vor. Eine interessante Sicht auf die Dinge und mal wieder viel zu wenig Zeit um dieses schöne Projekt umfassend vorzustellen. Daher empfehlen wir einen Besuch der Website graffuturism.com. Dort finden sich Informationen und Bildmaterial zu allen Künstlern der Gruppe soowie aktuelle Informationen zu laufenden Projekten und Ausstellungen! Le Graffuturism est un mouvement protéiforme qui marque la transition vers un nouveau type d’art. Tout en faisant partie intégrante du graffiti, le Graffuturism évolue vers des œuvres plus abstraites et plus contemporaines : c’est la révolution du graffiti. Le Graffuturism est devenu une notion connue dans le milieu du graffiti et de la scène Street Art internationale. Le terme a été inventé par l'artiste Poesia, en février 2010 à San Francisco afin de définir le travail d'un groupement d'artistes s'étant émancipé du graffiti traditionnel- lettrage, personnage. Le Graffuturism se caractérise par des formes abstraites, géométriques ou figuratives faites à l’aérosol, en peintures murales, ou dans des installations comme celles de Clemens Behr. Pour la première fois, les différentes facettes du mouvement sont présentées dans une exposition collective, à travers la mise en lumière de 20 artistes français et internationaux, à la galerie Openspace à Paris.

The richness of contemporary poetry lies in the plurality of literary languages that comprise it. However, one of the most significant trends, that which descends in direct line from the vanguard, the Brazilian Concretism and the latest generation of poets of the risk, supposes that the boldest poetry of our time has broken the gender codes, with the notion of the ego (hence with the notion of lyricism), with the communicative function (producer of sense) of the language, etc. So, it stops speaking of poetry to retake other terms as writings, transtexts, linguistic islands, etc. This paper aims, from the current contributions of American (Perloff, Hoagland, Swensen, Burt), French (Meschonnic, Caron, Maulpoix) and Hispanic criticism, to rethink the notion of lyricism and tell about the writings of the ego in the face of the limit of gender.

Recently there has been a resurgence of murals in several European and American cities. Street art visual practices have privileged murals as one of the most suitable formats to address public spaces. Despite the increasing recognition and significance of murals for the visual culture of these cities, this contemporary urban art practice has not received much attention from recent literature. This paper provides a literature review on contemporary murals, giving an account of their popularity, their relation to location-specificity and global presence, as well as the means of dissemination of such art expression. The study will then focus on a set of case studies in Lisbon, regarding the paradigmatic shift from sculpture commissioning to mural commissioning within Portuguese Brazilian cultural relationships. The works of OSGEMEOS, Bicicleta sem Freio and Nunca will be discussed in this framework, questioning what the contributions of contemporary mural works might be for the public spaces of the city.

This article sets out to show how a sociological research project on the production of street art in Lisbon was built, from the construction of an object of research to the development of a methodological approach that enabled the collection of a diverse set of expressive data. The notion of 'route' serves not only as a valuable instrument of research in the first stages of an investigation in urban sociology, but also as a powerful visual depiction of the development of a specific methodology and the set of techniques adopted. The diverse set of interrogations about the object that stem from these incursions, as well as the specific urban context at hand, allowed the researcher to conceptualize street art as a component of contemporary urban space and as a visual means to reveal social dynamics between the several actors involved in its production, and the city itself. Therefore, in this paper it is briefly shown how this object is theoretically framed, namely in what concerns the street artists and the way they build an artistic path and attribute meaning to the act of intervening artistically in the streets of the city, and how this connects with the worlds of contemporary art and the several contexts of production of street art; the contexts in which street art is currently created in Lisbon, from individual initiatives to the actions of associations or collectives, and the municipality; and the way in which the city, through its institutional powers, can instrumentalize street art as a way of creating 'images of the city', and how this can be explored in terms of tourism and the marketing of cities, and the conflict or opportunities that these processes reveal for the actors involved.

En fechas recientes descubrí términos útiles para la investigación que realizo: la literatura transatlántica, utilizada en los estudios iberoamericanos, y la ecología de la literatura, usada en estudios de literatura comparada. El primer término se refiere a las afinidades y choques continuos que tienen autores capaces de navegar en varias lenguas y culturas, tal es el caso de Jorge Eduardo Eielson. De origen peruano, Eielson vivió gran parte de su vida en Europa, concretamente en Francia e Italia, aunque visitaba Perú más o menos regularmente y viajó brevemente a Estados Unidos. Todo lo anterior resulta útil si se piensa que los poemas y las instalaciones emblemáticas de Eielson encierran la fusión de culturas marginales: los quipus (nudos en quechua) rinden homenaje a las culturas precolombinas oriundas del Perú, pero también son consecuencia de una marcada influencia oriental, particularmente de las lecciones taoístas y algunas referencias anticonceptuales del budismo zen. Sorprende aún más saber que las lecciones de Oriente parecen haber llegado vía Estados Unidos, gracias a la New York School.

Poesía: ¿Qué poesía? ¿Cuál escritura? El deseo de ir hacia la frontera. Arrastrar la sed, el no saberse; la incertidumbre. Preguntarse por la poesía, por cuál poesía, qué escritura, implica presentir un cuerpo; un rostro. Una vida dentro de lo escrito que siempre está sujeta a cambios y que, sin embargo, ha de ser rescatada de la muerte. En palabras de Hélène Cixous (2006: 11-14), la escritura pretende: No dejarle lugar al muerto […]. Escribir para hacer retroceder el olvido, para no dejarse sorprender jamás por el abismo. / Escribir para tocar labios, soplo para acariciar con la lengua, lamer con el alma, saborear con la sangre del cuerpo amado, de la vida alejada; para saturar de deseo la distancia. / Yo escribo y tú no estás muerto. Si escribo, el otro está a salvo.

Werne Wolf iniciava el seu treball “The lyric: Problems of Definition and Proposal for Reconceptualisation” (2005: 21-56) de forma irònica, però també amb lucidesa. L’obria amb una cita molt coneguda de Samuel Beckett, que recentment un tenista suís, Stan Wawrincka, s’ha tatuat a l’avantbraç: “Ever tried. Ever failed. No matter.// Try again. Fail again. Fail better” (Worstward Ho). De fet, potser el títol més escaient o l’advertència que haurien d’incloure tots els estudis de teoria poètica eixiria d’un escurçament del seu “La poesia: problemes”. No obstant, l’ambigüitat del nostre, “L’espai del poema”, permet plantejar alguns dels temes que es tracten en les pàgines d’aquest volum i esbossar uns alters.

En las páginas que siguen examinaré algunas consecuencias de la inestabilidad funcional del sujeto poético en la poesía actual, entendido este como algo más que una manifestación morfológica o un distribuidor deíctico que operan en el poema para sustentar una determinada cohesión enuncia¬tiva y discursiva. Esos dos parámetros, en concordancia con lo resuelto previamente por la narratología respecto a la figura del narrador en el relato, resultaron largamente privilegiados por las aproximaciones formal-estructuralista y semiótico-sintáctica al texto poético. Lo fueron, es cierto, en un segmento histórico en el que el propio concepto de poema solía ser más restringido en términos formales, elocutivos y culturales que el hoy comúnmente manejado, quizás por ins¬cribirse aquella coyuntura en lo que Jacques Rancière (2005) ha llamado régimen representativo del arte y de la literatura. En él, por cierto, la postulación desde la propia obra de un sentido de comunidad ética se impone a cualquier movimien¬to emancipatorio, algo esto último que para Rancière es más propio de un segundo régimen de identificación actuante en el terreno artístico, el estético. En correspondencia, el público, la audiencia, quienes leen en aquel primer régimen, se recono¬cerían como espectadores antes que como actores en el espacio material y simbólico por ellos ocupado. Justo por esto nos interesará igualmente la proyección que lo anterior introduce en los planos de la intersubjetividad y de lo público. Si bien, para creer que tal proyección resulte en algún sentido efectiva, o por lo menos real, en cualquiera de los dos regímenes de identificación indicados, no es exigible ya la convicción de que la poesía sea un arma cargada de futuro al modo –referencial, temático, retórico, performativo…– en el que determinados programas literarios e ideológicos próximos al socialrealismo comprendieron el lugar político del poema y en general del arte a lo largo de una buena parte del siglo XX.

Desde que Serge Doubrovsky definiu na súa novela de 1977, Fils, a categoría “autoficción” até a súa recuperación serodia desde o ámbito da narrativa –revisada na península por teóricos como J. M. Pozuelo Yvancos ou Manuel Alberca–, son múltiplas as aplicacións e reflexións arredor desa modalidade pretendidamente transxenérica. Certas modulacións presentes no discurso poético, como a aparición do nome da autora ou un entretecido poemático de datos procedentes da súa biografía, permiten trasladar esa tensión entre o biográfico e o ficcional aos textos.

Este volumen nace con el propósito de producir conocimiento crítico sobre las prácticas poéticas en el espacio público, sus funciones y su eficacia dentro de éste. A la inestabilidad funcional de la poesía y lo lírico en la actualidad se une la noción de espacio público, entendida tanto desde su vertiente conceptual, filosófica y social, como desde su vertiente material, física, ligada a la (re)presentación escénica. Espacios, sujetos e instituciones se redefinen de la mano de esta combinación. Así, la inclusión de la espacialidad en una teoría poética actualizada, la constitución de nuevos sujetos y subjetividades y la identificación de públicos y prácticas en torno a los conceptos de performatividad e intervención constituyen los vectores fundamentales de este libro. Sin acotación de ningún tipo en términos lingüísticos, nacionales o interartísticos, los trabajos aquí recogidos se reparten entre lo teórico-crítico y metodológico, los estudios de caso y las reflexiones en primera persona, teniendo como objetivo último la valoración de la incidencia de la poesía en el espacio público y sus efectos socio-políticos.

En una reflexión general sobre los procesos y prácticas culturales emergentes, Wlad Godzich subrayó la imposibilidad de estudiarlos de acuerdo con las categorías hegemónicas y convencionales, para las que en realidad suponen un desafío. La delimitación de la noción de poesía en nuestro tiempo, habida cuenta de su estatus multifuncional e inestable, es una tarea compleja. Refiriéndonos a la hibridación genérica y discursiva podríamos condensar la mayor parte de sus reformulaciones, causadas también por la aceptación de lo popular, lo masivo o lo tecnológico, y por la potencialidad crítica de la subjetividad y el sujeto. En línea con lo señalado por Godzich, tales cambios exigen nuevas perspectivas y metodologías de análisis, que vayan más allá de las derivadas de genologías de base apenas textual. Las poéticas que son objeto de estudio en este libro no serán acotadas en términos lingüísticos, nacionales o interartísticos; de forma correlativa, se presta atención a sistemas de significación no (solo) verbales, al acoger análisis sobre prácticas performativas, grafiti e intervención, poesía fractal o formatos televisivos, privilegiando siempre la investigación de su incidencia como interacción y mediación pública, además de sus efectos socio-políticos.

En este estudio se investigan nociones aportadas por la crítica literaria y socio-cultural en torno a la discursividad del espacio como modo de producción. Asimismo, se redefine el espacio poemático verbal en contraste con el espacio fractal y se propone un modo inclusivo de lectura del mismo basado en propuestas teóricas de diversas escuelas de pensamiento y nuevos espacios epistemológicos: formalismo (Víctor Shklovsky), postestructuralismo (Henri Lefebvre, Edward Soja Roland Barthes; Mitchell W. J. T.; Mieke Ball), psicología de la percepción (la Gestalt), el concepto de espacio negativo “Ma” (Alan Fletcher; Richard B. Pilgrim), la poética cognitiva (Gaston Bachelard; Peter Stockwell; Reuven Tsur). De modo particular, se analiza el concepto de espacio como agente semiótico en la poesía fractal de Ramon Dachs y Roger Olivella.

El estudio de prácticas poéticas surgidas de experiencias políticas antagonistas o, en general, vinculadas a los movimientos sociales, muestra la existencia de productos literarios que incorporan modelos, criterios y habitus (Bourdieu, 1992) propios de campos sociales no específicamente literarios. En ese marco puede ser analizada la poesía de Patricia Heras –activista queer de base, escritora inédita y artista ocasional–, que fue víctima de un montaje policial (el conocido como Caso 4F) y de un sistema represivo que la llevaron al suicidio en abril de 2011. Dado que fueron su implicación en el caso y su muerte los factores que desencadenaron la salida a la luz de sus textos literarios (poemas, guiones, diarios y narraciones), primero en el blog Poeta muerta (Putas cárceles de papel) y posteriormente en el libro Poeta muerta (Heras, 2014) este artículo desarrolla determinadas propuestas metodológicas que permiten estudiar los vínculos entre creación poética, antagonismo político y marginalidad social. La tensión público-privado en obras relacionadas con experiencias reivindicativas, los horizontes de eficacia sociopolítica previstos para textos y procesos de este tipo, o los repertorios (Even-Zohar, 1997) y criterios de reconocimiento activados en el caso de Patricia Heras son algunos de los aspectos que merecen un estudio específico.